Se dice mucho que los videojuegos son actualmente el medio con más potencial para transmitir y crear experiencias. Que la interacción permite tocar más de cerca los sentimientos y emociones del jugador, pero parece que está costando llegar a ese punto.

¿De qué modo podemos trabajar con aquello que más nos identifica como humanos?

Transmitir vs. Evocar

A menudo a la hora de diseñar un juego que aspire a algo más que entretener se habla de crear una experiencia de juego que transmita emociones y sensaciones. Sin embargo, esto ignora la gran posibilidad que tienen los juegos de provocar y evocar, más que transmitir como hacen otros medios unidireccionales (cine, música, etc.).

Obviamente, no soy el primero que habla de esto, ya que se presupone que un juego por ser interactivo es automáticamente más inmersivo. Pero a raíz de jugar a Passage por fin he vivido de primera mano el verdadero potencial que puede llegar a tener.

Un poco más adelante hablaré de mi experiencia con Passage, y recomiendo jugarlo directamente sin leer nada más antes de que lo “spoilee” más abajo. [Hint: Aprovecha para ir descargándolo mientras sigues leyendo].

En juegos como este se puede comprobar que la interactividad del videojuego ofrece algo más que la inmersión o una supuesta implicación emotiva forzada por el diseñador. Idealmente, lo que hay que conseguir es no obligar al jugador a experimentar algo, sino darle una sutil libertad en un entorno controlado para que sus actos y no-actos sean propios y acaben desarrollando por ellos mismos las emociones y sensaciones.

¿Cómo podemos conseguir esto?

Como punto de partida se me ocurre que hay que alejarse de cómo creemos que funciona la inmersión (por ahora, mientras estamos experimentando) para descubrir esa esencia.

Alejarnos, por ejemplo, de un guión preelaborado que no hace más que presentar una serie de hechos con la intención de controlar las emociones del espectador-jugador. Es cierto que esto puede tenernos inmersos en la historia si se hace bien, pero aún así estamos limitados por nuestra sensibilidad para recibir lo que el creador ha querido transmitir. El ejemplo más claro de esto es el cine, en el que se nos quiere hacer llegar emociones presentándonos situaciones afines con las que podemos sentirnos indentificados a través de vivencias personales.

En los videojuegos, es normal pretender que el jugador se identifique con el protagonista haciendo que no se le vea la cara, que no hable y que resulte lo más genérico posible. Además, muchas veces se le presenta con un compañero que hace las veces de tutorial, voz, cursor, coach personal, chivato del diseñador, etc. En definitiva, un agujero en la cuarta pared camuflado de intencionalidad inmersiva.

No soy contrario a esta solución, y de hecho me resulta especialmente atractiva; pero, sin embargo, más que ser un elemento que lucha por conseguir evocar emociones, es un elemento que se defiende de romper la sensación de inmersión. Así que tenemos que seguir buscando.

Parece que aquí tenemos algo

Llegados a este punto ya se habrá terminado de descargar Passage. Juégalo y ahora nos vemos.
Si habías jugado anteriormente, párate a recordar qué pensaste y qué hiciste.

En este juego normalmente lo primero que se intenta es conseguir un objetivo. La mayoría de la gente tiende a avanzar lo máximo posible hacia la derecha de la pantalla o, si no, a abrir los cofres que encuentra por ahí. Ya sea porque ve que esas acciones resultan en “avanzar” por la pantalla y “conseguir más puntos”. Lo curioso es que al terminar te quedas un poco frío: “¿Lo he conseguido?”

Aquí es entonces cuando conviene leer el creator’s statement en donde Jason explica, entre otras cosas, que este juego no tiene objetivo. Además de todo el contexto: muerte de un amigo, representación en el avatar de él mismo y su mujer, etc.

Sería un buen momento para volverlo a jugar antes de continuar (recuerda que tan sólo vives 5 minutos). En mi caso, cuando después de leer esto volví a jugar, fue totalmente distinto: Ya no había objetivo, sabía que en 5 minutos mi personaje moriría de viejo, hiciese lo que hicese.

Mi primera intención fue la de diseñador-investigador. Intenté quedarme quieto y ver cómo funcionaba el escenario descomprimiéndose, intenté ir hacia atrás y ver si podía tirarme por el precipicio, comprobar que hacia abajo el laberinto era más denso, rodear a la chica… Al cabo de un rato el avatar estaba cada vez más cerca del lado derecho de la pantalla y entonces pensé en la chica que había quedado allí atrás, tenía que regresar a por ella y hacer más pruebas antes de morir.

Volví, nos casamos, pero ella ya estaba algo mayor (yo también) y asi que comprobé que era más dificil moverse por el laberinto pero que a su vez la exploración conjunta daba mayor puntuación. Asi estaba, inmerso, cuando llega el momento en que ella muere. Entonces debería haber seguido, pero sin embargo, sin objetivos ya no pude alejarme mucho, volví junto a la lápida a esperar el final de la partida. Quería que las dos lápidas quedaran juntas al final.

Bien cierto es que esto pudo ser debido a que me hallara en un estado de especial sensibilidad, pero lo importante estaba ahí: El juego había sido capaz de darme un espacio para crear mis propias emociones.

Y analizando posteriormente me quedo con estas características que encuentro en Passage:

• No tiene objetivo (condición de victoria) aunque lo simula o sugiere.
• Personaliza, pone nombre al avatar, lo viste, etc. Al contrario que como se suele hacer al despersonalizar para reducir la violencia.
• Impone la condición de derrota y duración del juego (5 minutos de vida).
• Trata un tema universal (vida y muerte).

¿Y esto va a funcionar?

Como ejemplo y para concluir usaré una pequeña idea de mi cosecha, que curiosamente llegó a mi cabeza antes de jugar a este juego, y que recordándola ahora se adapta bastante a estos puntos:

Imaginemos un juego en el que tu objetivo es realizar un trabajo repetitivo y aburrido, digamos… cargar cajas en un camión. Mientras que ponemos al alcance del jugador toda clase de objetos extraños con los que interactuar, puertas por las que explorar, etc.

Si cumples el objetivo haciendo tu trabajo asciendes, subes de nivel y realizas nuevas tareas igual de repetitivas y poco gratificantes.

Si te dedicas a enredar y te pillan, eres degradado, despedido, etc… game over.

Se trata, por tanto, de un juego en el que hay implementadas más mecánicas y contenido del necesario para conseguir el objetivo sugerido. De hecho, estas mecánicas y contenido que están de más incitarían a no perseguir el objetivo sugerido directamente.

¿Podríamos entonces recrear las características encontradas en Passage? Veamos:

• El objetivo sugerido (tarea repetitiva) es distinto del objetivo deseado (probar las interacciones, explorar, experimentar).
• Personalización: Probablemente se acabaría queriendo estrangular al jefe a pesar de que este comportamiento estaría altamente castigado.
• Se puede imponer la duración del juego, pudiendo ser cada segmento de juego equivalente a una jornada laboral.
• Trata un tema universal: El deseo y lo prohibido.

Frases que no nos resultan desconocidas como “Necesito que me des más espacio para poder aclarar mis sentimientos” indican claramente la presencia de estos procesos en la vida real.

Y tras escribir esto, mi mente se llena de posibles emociones, sensaciones y comportamientos que provocaría un juego así.

Como diseñadores, tal vez sea nuestro cometido dejar de intentar imponer las emociones y dejar que el jugador entre en el juego por sí mismo.

¿Podremos realmente encontrar una forma de controlar la autoinmersión? ¿A que nivel de sutilidad y afinación podrá llegarse?

Y planteando el aspecto práctico de la “autoinmersión: ¿Podría aplicarse en juegos comerciales o sin embargo estaría relegado a ciertos productos más experimentales y artísticos?